"E Não Sobrou Ninguém" é uma canção escrita e interpretada por André Henriques, Cláudia Guerreiro, Hélio Morais e Pedro Geraldes, que dão pelo nome colectivo de Linda Martini. Foi gravada em Lisboa nos estúdios Namouche em janeiro de 2021, por Santi Garcia.
Segundo os próprios: "O título é inspirado no célebre poema de Martin Niemöller sobre a ascensão do Nacional Socialismo na Alemanha. É uma reflexão sobre eventos recentes e sobre séculos de atrocidades, injustiça, preconceito e discriminação para com seres humanos que não se enquadram na etnia, género, religião, posição social ou comportamento sexual dominante."
E concluem: "A cor da nossa pele, com quem nos deitamos, o que temos entre as pernas, que língua falamos, em que país nascemos, a que Deus rezamos, quanto ganhamos por mês. Nada disto nos define, nada disto nos faz melhores pessoas."
Os whosputo apresentam hoje o seu novo single e vídeo, "Eternity". O quarteto lisboeta lançou o seu álbum de estreia, Art of Decay, em abril de 2020, e prepara-se agora para apresentar Buffer Sketches, EP editado em novembro do ano passado. "Eternity" é parte deste EP e conta com um vídeo criado pelo jovem realizador Denis Liang, sediado em Munique, mas com background português comum ao de alguns elementos da banda.
A música conta com elementos de jazz e hip hop e uma voz que faz lembrar em certos momentos os também portugueses You Can't Win, Charlie Brown. Podem ouvir Buffer Sketchesaqui e ver o novo vídeo em baixo:
Está disponível a partir de hoje em todas as plataformas digitais Ata Saturna, o LP de estreia dos portuenses Conferência Inferno. Com selo Lovers & Lollypops, o disco será ainda editado em formato vinil e k7, estando a encomenda antecipada já disponível no bandcamp da editora.
Foi no dia de hoje, 5 de fevereiro de 2021, que são finalmente revelados os novos achados arqueológicos sobre a misteriosa Conferência Inferno. Depois dos escombros encontrados no Bazar Esotérico que revelavam o esboço de um ritual anarco-religioso inspirado nos ensinamentos de espíritas da dark wave e post-punk, foi encontrada a Ata Saturna, de leitura turva mas que identifica 3 cientistas (Francisco Lima, Raúl Mendiratta e José Miguel Silva) encarregues de sintetizar uma figura robótica, mais consciente e senciente que os humanos seus contemporâneos.
When we talk about the shoegaze, psychedelic, noise and experimental movement that marked a sonic era in the late 80s and early 90s in the UK, we really have to talk about The Telescopes. Founded in 1987 by Stephen Lawrie, Burton upon Trent's band whose early influences included The Velvet Underground, Suicide, The Stooges and 13th Floor Elevators, is a good example of how an underground band can reach 30 years of existence and demonstrate respectable creative and sonic health.
We spoke to Stephen Lawrie about the new record of The Telescopes and the weight of the pandemic in its production, his past experiences in our country, the impact of the streaming industry, being part of Tapete family and much more. Read the full interview below.
Artwork of Songs Of Love And Revolution
Songs Of Love And Revolution is your 12th record, composed in its essence by slow-burning ballads. What is this revolution that the title mentions? What were the main inspirations to write this collection of songs?
Stephen Lawrie (SL) - To stand by our calling, no matter what. As an act of love. All creative industries are under threat but at the heart of creativity is not industry, the function of art is to keep the balance. Come bring your love, come bring your revolution.
There was no initial concept for the album, it grew into itself over a period of time. Each individual song has its own identity and source of inspiration.
Can you please talk us through the process of writing and recording? Do you feel that this process has changed over the years? What role does improvisation play in this process?
SL - The songs for this album were written in quite a traditional way, with an acoustic guitar. Each one started from a small seed of an idea. The process is one of living every moment with each song, growing together in partnership, injecting life into one another. This is a process that is consistent throughout the recording as well as the writing of each song.
Improvisation is a way of reacting to each moment intuitively, it can be used as a method of finding new pathways when the way ahead is unclear. It’s a different form of expression to playing a written part, more reactionary to the moment.
If you had to name a song that you found most difficult to record on Songs Of Love And Revolution, what would it be?
SL - None. They all came very easily, from start to finish. There was a strong momentum throughout.
What was the weight of the pandemic in the production of this record? Do you think it reflects the context in which we live now?
SL - All art is an expression of context, so naturally it had an impact. “This Is Not A Dream” for example, “Nothing seems how it should seem” but “this is not a dream”. That was written during the first lockdown when it felt like everyone seemed to be in a state of Mesmer. "This Train" was written after that initial lockdown when travel was permitted and I was able to record, it’s a memo to keep on track, when the rail has gone. I think that applies to the act of touring as much as the current situation. Every song has a reflection in there somewhere.
Although we are living extremely difficult times for clubs and concert halls, can we expect in the future some concerts to present your new record?
SL - I certainly hope so, these songs were meant to be played live and the whole live experience is crucial to The Telescopes. It’s not just the pandemic situation we have to deal with unfortunately, Brexit is having a catastrophic impact on creative/ independent industries.
In the last 10 years The Telescopes have performed several times in Portugal, particularly in the extinct rock club Sabotage, where you performed at least three times. What did you like most about our country? Which Portuguese bands amazed you?
SL - It was awful to hear the news about Sabotage, The Telescopes have always had a great experience there. It will truly be missed.
Portugal has always been very kind to The Telescopes, a lot of good friendships have formed over the years. It’s a beautiful country, I love the architecture in Lisbon and Porto, the older parts of the cities. I also love the tranquility of the countryside.
The Telescopes performed a show in Bruxelles with a band from Lisbon called Sunflare, they were quite a sonic force live.
Almost all of The Telescopes' records are virtually available on Spotify, some of which are only present on the Bandcamp platform. What is your opinion about streaming services, especially when it comes to the promotion and creativity of artists?
SL - If it was up to me then I would take everything down from Spotify. It’s all available to stream and download on The Telescopes Bandcamp where artists have fair trade with the company. Spotify certainly help promote artists but their returns are too extreme. The artists make less than a pittance, whereas their profits are through the roof. They do business with a choke hold whereas Bandcamp have a supportive approach with a perspective on creative community.
Fuzz Club released in 2019 an edition of the 30th anniversary of Taste, the debut record by The Telescopes, where experimentation seemed to be the main engine of the band. Does this record hold a very special place in your heart, as a first love?
SL - It’s strange with albums, you live them 24/7 from the initial spark of creation, all the way up to listening to the final copy, then it’s like saying goodbye, they are no longer your own. The music goes out into the world where everyone forms their own opinion about it. It’s hard to recognize it in the same way anymore. I think the music still holds true, but life has changed the way I hear it.
Hidden Fields was your first record released by Tapete in 2015, a German label that was also responsible for the release of As Light Return (2017) and Exploding Head Syndrome (2019). Oncemore, Tapete is preparing the release of Songs Of Love And Revolution on February 5th. How does it feel to be part of Tapete’s family for the past six years?
SL - Tapete are great to work with, I think every record we’ve done together has been a strong release, each department of the label does a fantastic job. The whole company is very respectful of creativity.
With more than 30 years of life, what can The Telescopes still offer the world of music and its fans? Do you feel as an influence for a younger generation?
SL - There are always new bands coming through that cite The Telescopes as an influence, like I say, the music goes out into the world and it becomes something else to others. There’s no intention to influence, only the suggestion of possibility; the possibility of heeding your calling.
Your friend and former bandmate David Fitzgerald sadly passed away last December. Do you want to entrust us with an amusing story in honor of David?
SL - As soon as David joined The Telescopes there became a problem with Bassists and Drummers, none of them considered him to be a ‘proper’ musician’, it would always end with them confronting me with the ultimatum ‘it’s him or us’. Each time it happened, the reasons given would secure their swift departure. David was an original, not many people had the foresight to see it, even him sometimes, but he wasn’t afraid, he completely understood the purpose of The Telescopes, it was crucial to him for the music to reach beyond the realm of natural vision.
Regarding the lockdown, how are you keeping yourself busy, in order to protect your mental health and sanity?
SL - There’s a lot of new releases on the way and lots of projects underway. I’m having to work remotely on some of the more collaborative projects, but it’s all still possible except for live concerts at the moment. Music has a remedy for most ailments.
To close this interview, could you suggest to the readers some artists or groups that you have been obsessed with lately?
SL - There’s been nothing current on the turntable lately, all old stuff. Never far from the needle are, Monster Mash by Bobby Picket, Working Class Hero/ John Lennon, Wandrin’ Star/ Lee Marvin, Magic Moments/Val Doonican, I’m Your Man/Wham.
Os franceses Varsovie regressam este ano às edições com L'Ombre et la Nuit, o quarto disco de originais que chega às prateleiras três anos após o lançamento de Coups Et Blessures (2018). O novo disco - anunciado em dezembro - viu também no final do ano passado ser divulgado o primeiro tema de avanço, "Kissa Kouprine" agora lançado conjuntamente com a incrível malha de post-punk revival, "Magnitizdat", no formato single duplo. O novo tema ganha nome do neologismo russo que se refere ao processo clandestino da regravação e autodistribuição destas gravações em fitas de áudio na União Soviética, por forma a contornar a censura.
Ambos os temas mantêm denotada a costela gótica e nostálgica da banda explorando num entanto uma atmosfera sonora mais aditiva. O resultado reflete-se igualmente nos visuais explorados ao quarto disco de estúdio que levam a assinatura da artista irlandesa Deborah Sheedy. Sobre o novo trabalho Arnault Destal (bateria, letra, música) e Grégory Catherina (voz, guitarra, música) - os membros que compôem os Varsovie desde a formação em 2005 - "L'Ombre et la Nuit é certamente o álbum mais dark da banda até agora. Ainda com letras francesas e numa linha tensa, nervosa e melancólica, estas 10 canções continuam a reformular as vertigens do nosso tempo através de figuras emblemáticas, atmosferas crepusculares e crises íntimas".
L'Ombre et la Nuit será composto por dez temas dos quais dois já se podem consumir na íntegra abaixo. "Magnitizdat" foi editado conjuntamente com "Kissa Kouprine" no passado dia 29 de janeiro em formato digital pelo selo Icy Cold Records. Podem comprar a vossa cópia aqui.
É uma das obras seminais dos ingleses The KLF e chega hoje pela primeira vez às plataformas de streaming, ainda que sob nova designação. Despojado de alguns dos seus mais distintivos samples, que no registo original vão de Elvis a Fleetwood Mac e Van Halen, a nova versão do clássico do 1990 intitula-se 'Come Down Dawn' e é, segundo comunicado enviado à imprensa, um “pré-mix” de Chill Out.
Os KLF, ou Kopyright Liberation Front, são o projeto de Bill Drummond e Jimmy Cauty. Formaram-se em 1987, em Liverpool, e editaram vários singles de sucesso sob pseudónimos como The Justified Ancients of Mu Mu e The Timelords, até se fixarem com o nome The KLF. O fim do projeto, em maio de 1992, assinalou a decisão do grupo em apagar todo o seu catálogo, impedindo reedições futuras, e deu origem à K Foundation, fundação virada para as artes e performance que culminou com o queimar de um milhão de libras em notas, em vídeo registado para a posteridade.
Come Down Dawn,o segundo de cinco lançamentos que o grupo tem agendados para este ano, sucede o anterior Solid State Logick 1, publicado em janeiro e que reúne vários temas dos Justified Ancients of Mu Mu. Também nesse mês, os KLF viram o seu legado chegar à grande tela com o lançamento de Welcome to the Dark Ages, filme que acompanha os planos da dupla na construção de uma pirâmide feita à base de tijolos criados a partir de cinzas de mortos (a entrevista sobre o projeto, concedida à BBC, pode ser conferida aqui).
Dois anos após o arrebatador Cyber Care EP e três depois deThe Ultimate Climax (2018) - o álbum que marcou um novo rumo na composição -, QUAL está de regresso com novo sucessor ao trono. Intitulado Tenebris In Lux o terceiro longa-duração promete alargar ainda mais o espectro de ação do produtor ao detalhar todo o mundo dark-techno e EBM e, ainda por explorar uma abordagem industrial e experimental ao nível da voz. O novo trabalho, anunciado oficialmente nos últimos dias de janeiro, conta já com três temas no radar, onde se inclui "VR Slaves" acompanhado por um trabalho audiovisual de personalidade mórbida a visualizar abaixo.
Sobre o novo trabalho William Maybelline avança que "Tenebris In Lux foi escrito durante o primeiro confinamento e captura claramente a atmosfera de como eu me estava a sentir, um momento muito estranho em toda a minha vida... o álbum consumiu esse estranho pavor distópico que eu sentia. O objetivo em mente era também afastar-me dos meus álbuns anteriores. Tentei ignorar os velhos hábitos, ao ser (...) mais textual nas viagens de destruição cataclísmica. Algo que gosto de chamar de Cyber Sludge".
Além de "VR Slaves", do novo Tenebris In Lux é possível escutar ainda "Insides On The Outside" e "Life In The Mirror".
Tenebris In Lux tem data de lançamento prevista para o dia 1 de março em formato digital, CD e cassete pelo selo Le Disque Noir Records e ainda em vinil. Podem fazer pre-order do disco aqui.
No dia 4, às 18h, no âmbito da iniciativa Música ao Centro, o Centro Cultural Penedo da Saudade do Instituto Politécnico de Coimbra transmite online o concerto de K. Wölf, organizado em parceria com a Blue House.
K. Wölf é Gonçalo Parreirão, um músico de Coimbra nascido a 1993. Iniciou o seu percurso como guitarrista da banda Red Italian Hunter e após interregno do trio dedicou-se à busca de novas sonoridades noutros instrumentos, participando em projetos como Miss Cat e o Rapaz Cão, Busted Kittens e Chïfre. Apresenta-se agora a solo como K. Wölf, tendo gravado o ep The Mysteries of Riding Alone, em 2018.
Dedica-se quase exclusivamente à sonorização de filmes (de realizadores como Georges Méliès, Carl Dreyer, Buster Keaton, Charlie Chaplin, Kenneth Anger, Len Lye, Norman Mclaren) em colaboração com a associação Fila K e as fundações Eugénio de Almeida e Bissaya Barreto tendo sempre em vista uma ruptura total com as bandas sonoras originais e a criação de uma segunda linha narrativa para os filmes musicados. Trabalhou ainda com as companhias Teatro Experimental do Porto, Teatro Loucomotiva e Teuc na criação de bandas sonoras para peças de teatro. Em 2019 participou no documentário sobre arte Xávega “Novo São José”, de Silvana Torricella, como assistente de realização e compositor da banda sonora.
Chama-se “Hold On” o mais recente single de The Silent Box e trata-se de um “ensaio sobre a saúde mental”, segundo contam em comunicado. Com a firme promessa de “conquistar o panorama do rock nacional”, o grupo bracarense parte, neste tema, em busca de uma “voz interior” que os leve à “descoberta (...) de um mundo interior melhor”.
Estrearam 2021 com um videoclipe da GearFilms, no qual estabelecem “um paralelismo com os desafios que cada ser humano enfrenta”. Em conversa com a Threshold Magazine, a banda deixa a certeza de que “ouvir boa música acaba claramente por ajudar neste processo de abstração”.
The Silent Box foi a banda vencedora do Concurso de Bandas para o Palco Novos Valores da Festa do Avante! em 2019, um tipo de iniciativa que, embora “claramente escasso”, consideram “de extrema importância, visto criar a primeira oportunidade de palco para muitas bandas emergentes”.
Descrevem-se com facilidade: são um grupo de “amigos com personalidades e áreas completamente distintas que trazem em comum a paixão pela música”. Inspirados por nomes como Led Zeppelin, Pink Floyd, Arctic Monkeys e Black Keys, reuniram-se num “mundo próprio” onde “a música, de base sobretudo experimental, quer definir o seu próprio rumo”.
Desde 2018 que estão “dentro da caixa, mas com uma filosofia fora dela”. Deram início aos lançamentos com I.N.T.R.O., um EP inaugural da sua “composição invulgar que soa a surpresa e a improvável”. Afirmam uma “sonoridade que se entranha sem se estranhar” e pretendem ser a prova viva e “irrefutável de um talento nacional em viagem contínua”.
Entre “rock, indie, blues, jazz e, por vezes, metal”, está a voz de João Rangel Pereira, acompanhada pelas guitarras de Eduardo Semanas e André Sales, a bateria de João Oehen e o baixo de Diogo Soares, com André Semanas no teclado.
No final deste ano, terá lugar um “álbum promissor” com apoio do Poison Studio e, pelo meio, garantem “algumas surpresas”. Até lá, ficamos com “Hold On”, já disponível no Youtube e nas habituais plataformas de streaming.
A norte-americana Sacred Bones anunciou o lançamento do primeiro álbum feito por um bebé em gestação. Sounds of the Unborn foi gravado a partir de "tecnologia MIDI biosónica” quando Luca Yupanqui, uma criança recém-nascida, ainda se encontrava no útero da mãe, convertendo os seus movimentos em sons de sintetizadores.
Luca Yupanqui é filha de Elizabeth Hart, baixista dos Psychic Ills, e Iván Diaz, produtor que já trabalhou com Lee “Scratch” Perry. Os dois editaram e misturaram o material recolhido ao longo de cinco sessões de uma hora, tentando intervir o mínimo possível para que a mensagem de Luca existisse na sua “forma bruta”.
“V4.3 pt. 2.” é o primeiro avanço de Sounds of the Unborn e o vídeo que o acompanha, realizado por Victoria Keddie, já pode ser conferido em baixo.
O álbum está agendado para sair no próximo dia 2 de abril e encontra-se disponível para compra antecipada aqui.
O arrancar de novo ano trouxe alguns aperitivos de entrada onde destacamos as mais recentes edições de Fax Gang com Aethernet (no agreements), o disco que marca a estreia nos longa; o regresso a solo de Miho Hatori após extinção da sua banda Cibo Matto, com Between Isekai and Slice of Life (Caroline International); a apelativa estreia dos norte-americanos Club Sinister nos lançamentos com o EP dream gothClub Sinister (sef-released); o coletivo artístico Colônia, com o esforço Melaço (problemas dos outros), num disco 100% gravado à distância; e ainda um clássico nome no panorama, os Weezer - que no mês passado colocaram cá para fora Ok Human (Crush Music).
As opiniões relativas aos supracitados trabalhos podem ler-se na nova edição do Cinco Discos, Cinco Críticas e seguem pormenorizadas abaixo.
Aethernet | no agreements | janeiro 2021
7.5/10
A crescente tentativa de atribuir nomes a microgéneros musicais, fomentada pelas omnipresentes playlists de Spotify, tem vindo a gerar novos movimentos como a hyperpop ou o glitchcore. Um dos casos mais recentes é o surgimento da música hexd, expressão com particular relevância em plataformas como o Discord e o Rate Your Music que se caracteriza pelo uso inconsequente do bitcrushing como principal matéria de produção. Os Fax Gang, coletivo de origem geográfica diversa, são os maiores representantes deste movimento e o seu primeiro álbum, o antecipado Aethernet, é o seu primeiro grande testemunho.
Composto por quatro produtores e um vocalista, todos residentes em países diferentes, os Fax Gang são fruto de um geração ligada à corrente. O grupo opera sob um regime semelhante ao de Madlib e MF Doom nos tempos de Madvillainy, trocando beats e gravações de forma alternada, mas aqui sob um contexto exclusivamente digital que é reflexo dos tempos de hoje. Depois um aclamado EP editado nos primeiros metros de 2020, o grupo assinala a sua estreia em longa-duração com um trabalho mais maduro e desenvolvido a nível da mistura e masterização, cortesia de PK Shellboy, o MC-produtor responsável por untar as várias peças que compõem Aethernet. Ao incorporar efeitos de bitcrushing nas várias camadas da composição, o músico filipino está a abordar a compressão e as texturas de baixa-resolução não como um defeito, mas como um adereço vital à produção - como se de um novo instrumento se tratasse. Mas é nos momentos mais limpos que se verifica o verdadeiro potencial do grupo: "Fallen", o quinto tema do disco, apresenta um ângulo mais polido e assumidamente trap sem nunca descurar a atmosfera que os caracteriza.
Ainda é cedo para antecipar o impacto que os Fax Gang terão no futuro, mas os nove temas que compõem Aethernet garantem-lhes uma posição segura na lista dos nomes a ter em conta em 2021.
Filipe Costa
Between Isekai and Slice of Life | Caroline International | janeiro de 2020
9.3/10
Between Isekai and Slice of Life é o novo álbum a solo da multi-instrumentalista Miho Hatori, marcando o seu regresso aos álbuns de estúdio após a extinção dos Cibo Matto, grupo no qual era vocalista, em 2017.
Neste LP, a artista japonesa modernizou o seu som, verificando-se bastantes influências em géneros como o hyperpop, mas com moderação. Além disso, Hatori demonstrou saber exatamente quando deve ser adotado um som mais frenético e irrequieto - como mostra em "Bonaire" - ou quando deve ser trazido à baila uma veia mais virada para um club vanguardista com um tanto de electropop - como em "Tokyo Story" ou "Desire" -, acabando por criar um projeto repleto de faixas frescas e orelhudas.
Esta nova Hatori, apesar de fazer lembrar nomes como 3776, Arca e Charli XCX, mostra ter uma identidade própria, não se deixando ficar pelo som mais indie e pop japonês que marcou os Cibo Matto.
No fundo, este LP foi experiência agradável e aconselhável, sendo uma das primeiras grandes surpresas que 2021 nos traz.
João Pedro Antunes
Club Sinister | self-released | janeiro de 2020
7.5/10
Os Club Sinister apareceram no radar no mês que finalizou um dos anos mais tristes na indústria da música nas últimas décadas. Chegaram, contudo, com uma suavidade e fragilidade que não se esperava: de carácter contagiante e estrutura amplamente harmoniosa. Tão doce quanto negra.
A dupla norte-americana que junta Alex Horton e Ian Weidner ganhou corpo em 2020 depois de um percurso bastante diversificado, nos últimos anos, em projetos paralelos. Fortemente influenciados pelas linhas estilísticas do post-punk, as estruturas melódicas da dream pop e os arranjos do rock independente, os Club Sinister estreiam-se com brilho neste EP homónimo, ao abraçarem uma produção enaltecida por camadas de som devaneadoras, mas altamente confortáveis. Fora a dimensão sonora abordada, os Club Sinister também somam pontos no carácter delicado emanado pelos vocais translúcidos e frágeis de Ian, emancipado a costela dream goth do duo.
Ao longo de seis temas os Club Sinister apostam com força em ritmos melancólicos aos quais incorporam guitarras diluídas num trabalho vocal condutor e profundamente marcante. Prova disso chegou com o aperitivo de entrada "Beyond Bleeding", uma mistura cintilante de post-punk contemporâneo com a onda sonhadora dos 90's, a rodar em loop desde novembro. Com Dezembro posto foi a vez de "Sheol" - um tema mais negro na personalidade - a voltar a evidenciar o traço promissor da dupla, sentido desde início. Além dos supracitados, em Club Sinister ganham destaque também temas como "Back from the Grave" - pelo uso de samples no final do tema, algo não tão comum dentro da estética que abordam nesta estreia - e o tocante tema de encerramento "Creeping Towards the Deep End".
Apesar de não terem nenhuma label a oficializar este trabalho no formato merecido, a verdade é que Club Sinister EP é um bom posto de consolo e, talvez, os Club Sinister tenham chegado para marcar tempos vindouros na cena underground. Até lá, "join the club!".
Sónia Felizardo
Melaço | problemas dos outros | março de 2021
8.0/10
Os Colônia são um coletivo artístico que se fundou em 2010, na cidade de São Paulo, pela mão de Vinícius Abara, Mariana Mink e Paulo Mulan, inspirados pela visita à cidade portuária uruguaia de Colônia do Sacramento. Estudantes de design gráfico na altura em que se juntaram, o trio reuniu em Melaço, EP de estreia, os temas a que se têm dedicado na última década, gravados e compostos à distância - Mariana vive no Uruguai desde 2013.
Constituído por quatro temas, Melaço inicia-se com o tema título e mostra logo ao que vem: drones embebidos em distorção, trazendo à memória ecos distantes das guitarras que se ouvem em My Bloody Valentine. O tema seguinte, "Lua de Prata", invoca ambiências distópicas, acompanhadas por uma batida distante e concreta. Com 10 minutos de duração, "Como Nossos Pais" é o tema mais longo de Melaço e sampla a canção de mesmo título, da autoria de Elis Regina, que aqui recebe um tratamento abrasivo e ruidoso. Por último, "Lua de Prata" sofre uma transformação às mãos de Pocitos Trashbag, adquirindo as texturas próprias do ambiente japonês dos anos 80.
Melaço assume-se assim como o arquivo da vida da banda nestes últimos 10 anos, uma reaproximação às sonoridades anglo-saxónicas que dominaram o fim dos 80 e o início dos 90 no Reino Unido, sem nunca esquecer as raízes da pop brasileira dos anos 80. O EP tem edição agendada para 15 de março, com o carimbo da paulistana problemas dos outros.
Há cinco anos aventurei-me pela discografia dos Weezer. Do Blue ao White, ouvi todos os onze álbuns que criaram ao longo de mais de duas décadas. Tirando os dois já referidos, nenhum deles me convenceu, o que me fez ignorar os seus vários lançamentos ao longo dos últimos anos, entre os quais um disco de covers e uma música para a banda sonora do Frozen 2.
Agora, chegado 2021, os Weezer editaram OK Human, álbum que me deixou desconfiado desde que o seu nome foi revelado. Após uma cover de "Africa", dos Toto, ter surgido de uma piada no Twitter, receei que a referência aos Radiohead fosse apenas uma nova reação da banda aos memes criados à sua volta. Sem grandes expetativas, li alguns comentários positivos; decidi dar-lhe uma oportunidade e fiquei surpreendido pela positiva.
A banda presenteia-nos aqui com uma série de canções pop rock, como habitual, mas o piano e uma secção de cordas e sopros ocupam agora o centro da instrumentação. As guitarras distorcidas dão lugar a arranjos suaves e vibrantes que, aliados a letras simples, engraçadas e sentimentais, trazem um charme especial à música, uma humanidade que acaba por dar sentido ao título do disco. "All My Favorite Songs", "Playing My Piano" ou "Numbers" estão entre as melhores canções dos Weezer e provam que a banda ainda tem talento para melodias orelhudas. OK Human é um curto e sólido conjunto de músicas alegres, com alguns toques de dramatismo e uma sensação de aparente despreocupação típica da banda. Versos como "Put on some white noise, double-bolt the door / Kim Jong Un could blow up my city, I'd never know" refletem o carácter das letras e o ânimo do álbum.
Rivers Cuomo e companhia continuam em grande atividade e têm agendado para maio mais um álbum com um trocadilho no título, Van Weezer, onde estarão de volta às guitarras, inspirados pelo hard rock e o heavy metal dos anos 70 e 80. Dedos cruzados!
O último single de Olivae chama-se “There’s a Time” e já está disponível no Youtube com um videoclipe animado da autoria de José Garcês. Numa paisagem inicialmente monocromática, o tema vai ganhando cor a partir de uma “letra de esperança para ajudar os ouvintes a refletir” e, sobretudo, a “acreditar no futuro”, lê-se em nota enviada às redações.
Com a participação de Sara Teixeira, a paleta característica de Olivae ganha “sonoridades e melodias novas”, conjugando a “voz forte” com “vários coros e instrumentos de fundo”. O tema chega até nós depois de Wander Off, uma travessia de 13 músicas com um “registo predominante de voz e guitarra folk”, editado em 2020.
A essência do portuense Olivae nasce “principalmente dos sentimentos” e de “momentos de reflexão e introspeção”. Aos nove anos iniciou-se no piano. Pouco mais tarde, estendeu-se à percussão em algumas escolas de música e, aos 21, dedicou-se às cordas da guitarra.
É Vasco Oliveira o nome por trás de Olivae, artista portuense que integrou The Joy Nuts em 2016, juntamente com Sara Teixeira, Fábio Dinis e Marcelo Macedo. Em 2018, decidiu ingressar a solo no novo mundo de Olivae, “para dar vida a músicas antigas que criara”. No mesmo ano, introduziu-nos ao seu State of Mind, embalado por sonoridades acústicas dark folk.
Já podes conhecer a atmosfera acústica de Olivae, disponível em todas as plataformas de streaming.
Aura 86 é o novo EP de Fresko, lançado hoje via Bandcamp sob selo da Alienação Records. Conta com duas faixas, “Pirâmide” e “Nabo Negro”, que prometem revelar uma faceta sonora do artista lisboeta distinta do que fora outrora mostrado, acompanhado por influências nostálgicas do darkwave e do post-punk e carregadas de fortes sonoridades ácidas e electro, sempre submersas de um autêntico universo de ficção científica dos anos 80.
Para complementar o lançamento, Fresko convidou para o seu universo Luar Domitrix, Vii, Valody e Salbany, que reinterpretam as faixas à sua maneira abstrata, obscura e por vezes inquieta.
Esta obra marcará o 22º lançamento da web-editora coordenada por João Melgueira, tendo sido masterizada por Francisco Monteiro. A artwork da capa é cortesia de Zarolina.
Abaixo, encontra-se o EP na sua integridade, ora ouçam lá:
A sonoridade do colectivo, que conta com mais de uma década, não pode fugir ao selo pós-rock, mas fá-lo longe dos estereótipos de género habituais e do mainstream rock alternativo. O som instrumental, pode reportá-los para um dissimulado pós-grunge e os momentos acústicos, manchados de veneração ao simples e ao natural, trazem algum alívio e ecletismo ao ouvido. Melodias e distorções emocionais contrastantes são a principal característica do estilo da banda. A sua própria visão de crescendos catárticos apresenta um som extremamente sujo e corajoso.
Contam com quatro discos, Fetus In Fetu, os aclamados Odyssea, Ophelia e o mais recente Umbra que tem muito da carga que Portugal viveu e sentiu nos incêndios de 2017. Pisaram a maioria dos palcos nacionais e ilhas. Pisaram o palco de um dos maiores festivais do mundo do género, o Dunk!Fest na Bélgica e mais recentemente em 2019 o VIVID Festival na Noruega. Trabalharam, entre outros nomes da cena nacional, com Ana Deus, Valter Hugo Mãe ou Manel Cruz. Inspiram-se na lusofonia, nos mares e na terra.
O concerto tem hora marcada para as 23h e o preço do bilhete é de 7 €. O concerto será sentado, seguindo todas as indicações da DGS.
Foi lançado ontem MJ DOOM, tributo a Daniel Dumile pela Monster Jinx, mais conhecido por MF DOOM. A morte do artista tocou toda a comunidade hip-hop e não só, sendo este o seu humilde agradecimento.
A quantidade e diversidade existente na Monster Jinx não permite estarem 100% de acordo em todos os tópicos ou influências que passam pelas cabeças da turma roxa, que é já demasiado grande para uma sala só. Mas se considerarem uma figura que seja transversal no universo desta crew, Daniel Dumile é certamente um dos principais candidatos.
Segundo a crew: "Isto não é sobre a Monster Jinx, mas inevitavelmente toca em alguns dos valores chave que tornam o monstro roxo no monstro roxo. Sim, a sonoridade de cada membro está presente – a unicidade de cada um de nós nem permite outra coisa –, mas o que nos compete é fazer um tributo a Daniel Dumile. Seja sob que pseudónimo for: MF DOOM, Metal Fingers, Zev Love X, Viktor Vaughn... o vilão vive sempre. A liberdade criativa que nos ensinou é um dos pilares da Monster Jinx."
Assim, a Monster Jinx apresenta reinterpretações / remixes / edits de alguns dos temas mais marcantes de Daniel Dumile, assinados por: sh33p, Vasco Completo, Maria, Darksunn, Don Pie Pie, Stray, Raez e Saloio, Liquid, Raez (a solo), EARL, NO FUTURE, OSEB, MAF, Arekkusu.
Para reforçar a importância que tem este tributo, lançado 3 meses após o seu falecimento, o download deste MJ DOOM é gratuito. É a homenagem da Monster Jinx ao vilão mais adorado neste mundo que habitamos. "Por tudo o que nos ensinou, e pelas incontáveis horas de escuta que a sua música proporcionou", concluem.
João Vairinhos foi um dos nomes nacionais que fez 2020 menos estático. Depois dos projetos que marcaram o seu passado como baterista (entre os quais se incluem Day Of The Dead, The Youths ou LÖBO), no início da nova década o músico tomas as lides da produção, ao explorar uma eletrónica nefasta e amplamente contagiante. Intitulado Vénia, o EP de estreia afirmou-se numa toada instrumental dinamizada pelas tendências sonoras de contemplação e os ambientes mais obscuros. Entre atmosferas psicologicamente densas que forjam todo um percurso autêntico, João Vairinhos equilibra ambientes inertes de ritmo a cenários energéticos e de profunda catarse, numa mestria singular que se quer ouvir em loop.
Surpreendidos com o resultado decidimos conhecer as raízes que desenharam um percurso tão díspar na carreira do músico de forma direta. Na entrevista que segue abaixo, entre uma série de temas levantados, pode conhecer-se como foi criada a motivação para a bateria, o ponto de ignição que levou João Vairinhos a afastar-se do meio, o renascimento como baterista, a ascensão em nome próprio como produtor e sentir-se ainda um pequeno suspense relativamente ao que está por vir.
Quando é que começaste a tua cena na música? Com isto refiro-me mesmo ao início de pegar nos primeiros instrumentos.
João Vairinhos - Foi por volta dos 13/14 anos, quando comprei uma bateria. Tive a sorte dos meus pais terem sido bem enganados, pois compraram-me um instrumento relativamente caro antes de eu saber tocar alguma coisa. Foi daquelas coisas que tanto podia dar em paixão, como poderia ter acabado passado uma semana. O meu irmão também teve impacto porque ajudou a convencer os meus pais, não sei como. Ele tocava guitarra também, por isso devia achar boa ideia que o maninho mais novo também tocasse um instrumento. O meu percurso começou assim, de forma pouco séria, nada de obrigações, não tive aulas de música, foi assim quase como um hobby. Havia amigos meus que já tocavam outros instrumentos, alguns tocavam bateria, mas assim no mesmo registo que eu. Às vezes juntávamo-nos na minha garagem e incomodávamos os vizinhos com a chinfraria habitual e comum em prédios que têm garagens e miúdos que meteram na cabeça que querem aprender um instrumento. Havia um miúdo, o João, com quem eu lancei o EP The Citadel que era presença assídua e esse rapaz aos 13 anos já tocava guitarra de forma incrível. Ele vinha ter comigo para a garagem e ensinava-me noções de música e obrigava-me a tocar ritmos por cima de estruturas de guitarra mais complexas. E eu gostei daquilo, fez-me sentido, era adolescente numa cidade pequena e aproveitei o processo de aprendizagem para ficar horas a tocar bateria e a lidar com as coisas normais da adolescência. O "bichinho" foi crescendo, mas o processo começou a ficar mais sério quando eu vim estudar para Lisboa e comecei a tocar numa banda com uns amigos, os Day Of The Dead. Foi essa dinâmica dos ensaios regulares, e de falarmos em gravar uma demo, que fez com que eu começasse a levar as coisas mais a sério. Comecei a dar concertos, a tocar em com outras pessoas, uma realidade bem diferente de estar na garagem sozinho a tentar replicar os ritmos das minhas bandas preferidas a tocar no discman.
Estavas a referir a tua primeira banda, os Day Of The Dead. Que idade tinhas quando isso aconteceu?
João Vairinhos - 17. Foi a primeira banda com quem dei um concerto, com quem gravei um disco, com quem fiz uma tour foi assim uma coisa que começou como uma brincadeira de amigos, mas depois teve um impacto grande na minha vida.
Em 2020 lançaste o teu primeiro EP a solo. O teu percurso antes de chegar aqui mudou um bocadinho. Tocaste com LÖBO, Ricardo Remédio, Wildnorthe e, mais recentemente, MURAIS. Podes falar um pouco desse percurso?
João Vairinhos - Quando eu, o Ricardo Remédio e o Luís Pestana fundámos os LÖBO, eu ainda tocava nos Day Of The Dead portanto apesar de estar inserido num meio mais punk-hardcore na altura, sempre procurei adotar uma menta aberta no que diz respeito aos géneros musicais que ouvia, não só porque sempre gostei de ouvir música diferente, mas também tinha interesse em levar influências diferentes para a banda. Tendo em conta esse duplo objetivo, ao mesmo tempo que tinha os Day Of The Dead, fui tentando fazer outros projetos que fugissem um pouco da sonoridade dessa banda. Tinha os The Youths, mais punk, depois os LÖBO, instrumental e mais pesado. Quando os Day Of The Dead acabaram por volta de 2009, fiquei só com os LÖBO e houve uma determinada altura em que achei por bem fazer uma pausa porque estava a ficar saturado de ter bandas e de tudo o que isso implicava. Nesse momento parei e dediquei-me a outros projetos fora da música. Por mero acaso, fui convidado a tocar os concertos de reedição do Älma, por indisponibilidade do baterista de LÖBO na altura, aceitei e voltei a ter vontade de fazer música. Esses concertos fizeram-me perceber que a forma como eu estava a abordar a minha relação com a música é que me fez querer deixar de tocar. Antes de parar, sentia que só conseguia fazer música na sala de ensaios com outras pessoas e que precisava de diversificar as experiências, mas não estava a conseguir. Ou porque não tinha as ferramentas ou porque não conhecia pessoas de outros projetos diferentes com os quais pudesse colaborar. A vida já tem demasiadas dimensões rotineiras para que a música seja mais uma rotina e, olhando para trás, penso que o que me fez parar foi a evolução de algo que era suposto ser um processo criativo, e até um escape, para algo pouco desafiante. Para além de voltar a tocar com os LÖBO, comecei a tocar com o Ricardo Remédio, que foi um desafio enorme para mim, pois nunca tinha tocado com alguém só com máquinas e eletrónica, e isso exigiu uma logística e abordagens diferentes. Aceitei o convite dos Wildnorthe para ser baterista ao vivo, porque gosto da sonoridade e nunca tinha tocado num projeto semelhante. Aceitei o convite do Hélio para tocar com MURAIS porque, para além da história que tenho com ele (tivemos bandas há mais de 20 anos), obrigou-me, mais uma vez, a adaptação a outro género e a interiorizar alguns traços característicos da sua forma de tocar bateria, pois foi ele que gravou as músicas do disco. Entretanto também fiz sonoplastia para uma peça num processo de remusealização, participei com algumas remixes noutros projetos (Førest Fires e mais recentemente Lázaro) e também colaborei com baterias e elementos de percussão no disco novo do Bernardo Devlin, que foi uma experiência muito interessante e enriquecedora. No fundo, quanto mais eu sinta que estou a ser desafiado, ou porque tenho que me adaptar a novas linguagens musicais, ou porque vou experienciar contextos onde ainda não toquei, mais me interessa o projeto. Esse foi também o pressuposto para começar a fazer música sozinho.
Que foi impulsionado pelo convite da Sofia Teixeira na integração de uma mixtape e que deu origem à tua estreia em nome próprio, com o tema "Eternos São os Corvos". Qual era o objetivo dessa música que a Sofia te pediu para fazer?
João Vairinhos - Foi no décimo aniversário do blog. Ela lançou uma mixtape no Bandcamp com várias contribuições em homenagem ao aniversário e para a qual contribuíram nomes como o Manuel Guimarães, o André Barros, Hugo Rancho e o Slowburner, que fizeram uma música exclusiva para a ocasião, sem qualquer limite criativo na composição.
Antes desse tema a solo tens ainda a participação no EP The Citadel com Altura que referiste anteriormente. Como é que isso surgiu?
João Vairinhos - Foi algo relativamente simples e informal. Conheço o João Brito, guitarrista de Altura e Sam Alone, há mais de 15 anos e numa das visitas à minha cidade natal, juntei-me com ele no EYEBALL STUDIOS do Carlos Rocha, um amigo nosso de longa data, onde gravámos dois temas. Foi assim uma colaboração relâmpago. O João mandou-me duas ideias à distância e gravei as baterias lá no estúdio. Levei algumas ideias, mas muitos ritmos foram experimentados e criados lá e ele depois concluiu as músicas sozinho.
Então foi só depois de "Eternos São os Corvos" que decidiste que ias lançar-te em nome próprio?
João Vairinhos - Sim. Assim que fiz essa música pensei: "gostava de pegar neste tipo de ambientes, conceito e tentar fazer um disco maior". E isso demorou tempo, pois não estava habituado a fazer nada assim. A composição demorou cerca de um ano e meio, depois a mistura mais cinco - seis meses e depois a prensagem dos discos mais uns meses. O disco no seu todo, desde a composição até ao produto final em vinil, demorou cerca de dois anos e uns meses. É daquelas coisas que tu acabas e pensas "estou exausto, já não vou fazer isto outra vez". Mas depois, passado um dia já estás a fazer coisas novas.
Já estás a fazer coisas novas?
João Vairinhos – Sim (risos). Não dá para parar.
E depois lançaste o Vénia, que foi antecipado pelo tema "Vala Comum" cujo vídeo tivemos oportunidade de estrear. Neste videoclip trabalhaste com a Mariana Vilhena. Como é que esta colaboração aconteceu?
João Vairinhos - O Ricardo Remédio mostrou-me um sample de um vídeo que ele tinha da Mariana para outra coisa qualquer e eu vi o estilo a preto e branco com sentido rítmico, uma atmosfera muito crua e pensei automaticamente na "Vala Comum". Pensei que ela era a pessoa ideal para transpor a energia da música para o vídeo. Eu nem tinha pensado em fazer videoclip, mas quando vi aquelas imagens, pensei "bem isto num vídeo tinha um impacto muito maior", especialmente nesta música que tem um nome e uma carga tão pesada, tendo em conta o contexto em que o disco saiu. A Mariana aceitou o convite e acertou na narrativa logo à primeira, quase nem tive de pedir alterações. Fiquei bastante agradado e recomendo que visitem e vão conhecer o trabalho da Mariana.
Fizeste mais música para além das que integram o alinhamento do EP? Como é que surgiu a composição, seleção e essa parte?
João Vairinhos - Tinha quatro músicas inicialmente, mas achei que uma não se enquadrava naquilo que pretendia para o disco. Sinto uma insatisfação permanente com aquilo que estou a fazer, por isso, durante o período de composição oiço as músicas compulsivamente à procura dos defeitos, da ordem correta, etc e, sempre que aquela música chegava, não me fazia sentido estar ali. Tenciono aproveitar partes dela para coisas futuras, mas no Vénia não parecia moldar-se no ambiente, não tinha aquela intensidade que ele aporta. O maior desafio neste disco foi criar um fio condutor, uma narrativa coerente e articulada entre o título do disco e dos temas, a sonoridade das músicas - queria que tivessem cargas emotivas diferentes, altos e baixos - e o artwork do disco. No que diz respeito à imagem e fotos promocionais, tive o privilégio de poder utilizar fotografias do Pedro Roque e de ter a ajuda da Sara Inglês nas artes finais e o resultado ficou muito próximo daquilo que eu imaginei.
Porque é que decidiste intitular este projeto de João Vairinhos e não outro nome além do teu próprio?
João Vairinhos - Quando comecei a fazer a música para o blog BranMorrighan, tinha pensado em usar um nome diferente, mas depois pensei que isso iria limitar um pouco aquilo que eu ia fazer no futuro. Imagina que eu lançava este disco com o nome X. No próximo trabalho, provavelmente ia pensar que teria de fazer algo no seguimento dessa abordagem. Se a ideia de começar a fazer música sozinho foi precisamente a de me libertar de contextos específicos, de sentir liberdade criativa total, fez mais sentido usar o meu nome. Não é uma questão de ego, porque eu adoro colaborar nas músicas de outros e duas das três músicas do EP têm elementos gravados por outras pessoas. Eu sinto é que, com o meu nome, estou mais livre para fazer o que eu quiser e, o que dá o fio condutor às músicas que são disponibilizadas, sou eu. Isso não invalida que, futuramente, não faça outro tipo de projetos com nomes diferentes, mais ligados a determinadas sonoridades específicas.
Quais são as tuas principais referências musicais em nome próprio?
João Vairinhos - Se há uns anos era mais simples dizer-te quais eram as referências em cada projeto, hoje já não acho assim tão simples. Considero que, inevitavelmente, as referências punk-hardcore que tenho do passado vão estar sempre presente na forma como abordo a música. Passei muitos anos a tocar música no contexto punk-hardcore e esse ainda é um contexto que me interessa, portanto o som cru e "áspero" é uma dimensão estética que faz parte das minhas referências e isso nota-se. Ao longo do tempo, fui ganhando o gosto por sonoridades mais industriais, darkwave e eletrónicas, e essa mistura de influências tem um impacto óbvio nas músicas que faço hoje. Falando de nomes em concreto e, tendo em conta o Vénia, a abordagem do Trent Reznor dos Nine Inch Nails é algo que considero interessante, mesmo sem apreciar tudo aquilo que ele produz, porque mostrou-me que um disco pode ter músicas com ambientes diversos sem parecer uma compilação de temas soltos. Lembro-me que, durante a composição do disco, ouvi muito John Carpenter, Jóhann Jóhannsson - o compositor que fez a banda sonora do filme Mandy -, os Belief Defect e os Pact Infernal, que misturam sons industriais com ritmos tribais. Olhando para trás consigo perceber que as referências musicais do passado fizeram uma espécie de simbiose com o que ouvia na altura em que estava a compor o Vénia. Os Cult of Luna também foram uma influência para mim há uns anos e, apesar de já não ouvir com frequência, refiro-a sempre que me fazem esta pergunta, pois ajudou-me a mudar a forma como via a bateria numa música "pesada". Há 15 anos foi importante para mim ouvir um baterista a posicionar a bateria como se fosse mais uma camada sonora, sem dar prioridade à complexidade ou ao número de pancadas por minuto.
Qual era para ti um nome de sonho para uma colaboração?
João Vairinhos - Os nomes que digo assim quase sem pensar muito são o Michael Gira, a Chelsea Wolfe e o John Carpenter. Claro que valorizo a música que eles fazem, mas mais do que isso, estas personagens intrigam-me e despertam-me curiosidade sobre o seu processo criativo e forma como transformam as suas ideias em músicas. Há um senhor que produz música ambiente com um projeto chamado Loscil e essa também era uma colaboração que não me importava nada de fazer. Em Portugal, por exemplo gostava de tentar remixar ou fazer reinterpretações de músicas que não tem nada a ver com aquilo que eu produzo. Estou a tentar ir por esse tipo de caminho, porque acho que é um exercício interessante. Também gostava de tentar experiências relacionadas com peças sonoras para filme/teatro.
Já tens alguma coisa planeada para o futuro?
João Vairinhos - Com datas certas, não. Como referi há pouco, tenho estado a compor mais músicas e a fazer mais baterias para outros discos e, para já, não estou preocupado com cronogramas para lançamentos futuros. No passado ano de 2020, tendo em conta as circunstâncias, foi dos anos mais produtivos para mim na música, em termos criativos. Com o projeto a solo, pode ser que dê alguns concertos em 2021.
Obrigada João. Não sei se tens mais algo a acrescentar?
João Vairinhos - Gostava de deixar uma palavra de agradecimento pela entrevista e não posso deixar de referir a importância do vosso trabalho no apoio à divulgação de artistas independentes nacionais e internacionais. Já conheci muito boa música a partir de notícias da Threshold, por isso.. continuem!
